2023

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Cette exposition présente une suite d’œuvres allant de 1983 à 2022, et des informations diverses sur l’art du pastel, les outils utilisés, les papiers et les différentes propriétés des pastels. 

Affiche : Anick Lacroix

Discours d’ouverture de l’exposition de pastels.

Peindre, être artiste-peintre est un métier des plus centrés sur soi, sur ses émotions.

A l’adolescence quand on s’oriente vers une voie d’avenir, l’art apparait comme un monde extraordinaire, pour exprimer son mal de vivre et ses espoirs. Tout ça est en devenir, c’est une entreprise beaucoup plus importante et difficile qu’on n’imagine jamais à l’avance.                                 

Aujourd’hui et depuis longtemps, je me questionne sur ce que j’apporte à la société dans un monde où la misère humaine et la destruction de la planète est implacable. L’œuvre que j’ai créé avec tant d’honnêteté et d’effort vers l’ultime tableau en vaut-il la peine?                                                                                    

La peinture reste un domaine pour privilégiés, ils sont peu nombreux. Même si des artistes comme Van Gogh ou Monnet se sont surpassés à leur époque, que reste-il aujourd’hui sinon une commercialisation de la peinture et de toute création, pour une minorité favorisée, quand la majorité des humains souffrent de la faim ou du désespoir. 

Je sais l’art a toujours existé et l’homme ne peut s’empêcher de créer. J’espère que ma prise de conscience vous n’empêchera pas d’apprécier mes pastels, qui reflètent souvent le tragique de notre condition, parfois son bonheur, et que tous ceux qui désirent peindre ou dessiner continuent de le faire avec joie et confiance en eux.

Critique d’exposition

L’Atelier de pastel, par Suzanne Olivier

Alyson Champ

L’Atelier de pastel se veut une rétrospective de l’œuvre de Suzanne Olivier, mais bien que quelques-uns des pastels présentés ici remontent aux années 1980 et 1990, la plupart datent des dix dernières années.

Il s’agit officiellement de paysages, mais les pastels sur papier de Suzanne Olivier se situent dans une zone indéfinie entre l’abstrait et le concret.  Les tons de terre, les bleus et les verts suggèrent le sol, l’eau, les minéraux et la végétation sans être nécessairement aucune de ces choses. Vues de loin, plusieurs de ces œuvres rappellent les paysages marins de Turner tandis que d’autres, avec leurs avant-plans qui s’ouvrent sur des panoramas brillants et lumineux, font penser aux peintures de Claude Lorrain.

Examinées de près, les œuvres de Suzanne Olivier se dissolvent en segments de couleurs somptueuses et légèrement floues, interrompus par des lignes et des traits délicats et quelque peu nerveux, qui suggèrent la texture de rochers ou d’herbes. Il s’en dégage une impression de mystère, qui est au cœur de cette exposition, tout comme un sentiment d’émerveillement devant la grandeur de la nature.

Bon nombre des œuvres semblent animées d’un sentiment d’espoir et d’une luminosité joyeuse, mais la tristesse et la turbulence se dégagent de plusieurs autres. Dans La Peur (2014), les verts d’une intensité vibrante contrastent fortement avec un ciel menaçant, dont la couleur se rapproche d’un noir d’encre. Les lignes agitées, les verts marins et les rouges sablonneux qu’on retrouve dans Englouti dans la tourmente (2017) et À l’origine (2019) s’opposent aux vagues abstraites d’un vaste et insondable océan.

L’œuvre intitulée Les Bruits de la Nuit (2019) est peut-être la plus impressionnante de l’exposition. Elle fait penser aux paysages vallonnés des Adirondacks, peut-être avant (ou après) un orage. L’avant-plan est sombre et morose et présente peu des marques délicates de l’artiste, qui s’éloigne de ses tons terreux et vert cuivré habituels pour les remplacer par des violets riches et intenses. Un ciel gris descend doucement sur le paysage et, bien qu’il soit beaucoup plus brillant que le sol, il dégage une forte impression d’oppression, comme la transition d’un chagrin profond vers une peine plus diffuse mais plus lourde et plus prenante.

Les œuvres de Suzanne Olivier ont une qualité indéfinissable qu’elles doivent sûrement au lien étroit et émotif qui unit l’artiste à sa pratique. Elles sont comme des rêves exceptionnellement vivides qui, au réveil, laissent une impression de détails à la fois riches et délicats, et impossibles à décrire entièrement.

L’Atelier de pastel est présenté à la salle Alfred-Langevin jusqu’au 2 avril.

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2018

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Traverser les apparences – Beaux-arts des Amériques

Les oeuvres récentes présentées ici témoignent d’une recherche ininterrompue entreprise il y a plus de 40 ans, quand, déjà fascinée par la beauté et le mystère de la nature, Suzanne Olivier s’éloigne définitivement du sujet pour représenter le lien métaphysique qui la lie à la terre. D’une représentation figurative de la nature, elle en est venue à une représentation purement abstraite des quatre éléments, du monde minéral et végétal, et compose dans un langage pictural unique ses paysages imaginaires. Nous sommes invités à « Traverser les apparences » et à nous y perdre, à la fois hésitants devant tant d’inconnu et irrésistiblement attirés par cet appel chatoyant.

L’eau, l’air, le feu, le règne végétal, le règne minéral sont la matière de Suzanne Olivier. Et c’est bien de règne qu’il s’agit, celui, souverain, de la nature dans toute sa beauté, sa puissance, son éternité, son indifférence. Un monde sans humains mais qui pourtant leur parle. Le paradis perdu? Non, il est toujours là, bien au-delà de nos turpitudes.

L’humanité dans cette oeuvre, c’est nous, les contemplateurs, qui regardons, qui suivons cette pensée libre, le chemin de Suzanne Olivier. Celui-ci révèle notre relation en perdition avec le monde réel et sensible, loin des modes et des tendances, mais en résonance parfaite avec une préoccupation toute contemporaine. Au-delà de leur beauté intrinsèque, les tableaux nous renvoient à la réalité tangible de notre environnement.

Le terme « poésie visuelle », déjà employé pour caractériser le travail de Suzanne Olivier, est tout à fait adéquat. Poésie visuelle dont les stances, les rimes, les entrelacs, les volumes, les couleurs définissent le dessin. Elle nous surprend et nous enchante à chaque détour, car le chemin est différent à chaque regard et nous n’en finissons jamais d’explorer ce jardin du monde.

Ces toiles sensuelles exercent sur nous un envoûtement. Elles n’arrêtent jamais de nous proposer des interprétations et de nous dévoiler une infinité de sens à chaque regard. N’est-ce pas là la marque d’une oeuvre forte, donner un sens renouvelé à chaque visite?

Luc De Tremmerie

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C’est toujours un peu périlleux d’écrire sur de la peinture, d’employer des mots sur quelque chose qui est déjà dit si bien autrement. Je parlerais de « chaos originel, de monde de la genèse de la Terre, de magmas, de convulsions car le monde que tu as choisi (choisis-t-on vraiment?) est plein de forces primitives et violentes dont tu as réussi à trouver la beauté et l’équilibre…

Françoise Baumgarten
janvier 2018

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2014

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La peinture de Suzanne Olivier est une poésie virtuelle qu’il m’est impossible d’exprimer avec justesse; les mots ne sont tout simplement pas suffisants.

Ni figuratifs, ni abstraits, les tableaux d’Olivier échauffent notre imagination, nous entraînent dans un voyage vers des scènes où les paysages se meuvent et se métamorphosent au fil des toiles. Tout dans cet univers pictural est unique et singulier.

L’art a le pouvoir merveilleux de déclencher différentes réactions émotionnelles chez le spectateur. Une part du talent d’Olivier réside en ce pouvoir qu’ont ses œuvres de nous mettre dans un état d’esprit particulier au premier regard, comme si notre subconscient comprenait ce qui se joue devant nous avant tout le reste de notre être.

Au second coup d’œil débute l’analyse du dessin et des couleurs; on se délecte de la variété des teintes, de la richesse des textures et de la beauté des motifs. Puis le « déclic » se produit : cet ensemble qui ne ressemblait à rien de familier se transforme énigmatiquement devant nos yeux. Est-ce un ciel ou une mer, un lac ou une montagne et toutes les réponses sont bonnes….Mystérieusement, tout prend forme; tout prend vie. Et on se retrouve immobile, transcendé par la magnificence de ce tableau « vivant » qui représente une nature imaginaire à l’état pur.

Anick Lacroix, coordonnatrice, Salle culturelle Alfred-Langevin

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2013

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Je regarde « La mémoire des choses » et j’y vois un imaginaire près de la nature, nature en abondance. L’horizon lointain est superbe et presque joyeux. J’y vois aussi des zones plus difficiles et une variété d’émotions. La vie bouge et stagne à la fois.  Enfin, tu sembles chercher une vérité à partir des mêmes éléments de base. Chaque toile que j’ai regardée apporte une variante de couleurs, une évolution à partir de toi, de ton évolution. C’est comme si tu ne voulais pas tricher. Tu travailles et apportes une atmosphère différente à « ton monde ».

La lumière! Le blanc. Une huître ouverte, la nacre, la perle cachée. Et le rose, la délicatesse.

Je devrais faire silence et me contenter de regarder la beauté, c’est déjà tout un voyage.

Suzanne Bélair Denis, 2013

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2012

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Exposition à la Eleonor London Library
Côtes Saint-Luc, Montréal, juin 2012

Plusieurs des tableaux exposés ici ont été peints pendant cette période tragique des puissants mouvements terrestres, qu’a été le tsunami japonais à l’hiver de 2010.

J’ai parfois l’impression que je peins la fin des temps, la fin de l’humanité.

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Les paysages du dedans de Suzanne Olivier
par François-Marc Gagnon

L’espace

Les tableaux de Suzanne Olivier donnent souvent l’impression d’un paysage inversé, où la terre aurait pris la place du ciel. Nous résistons à cette lecture si contraire à notre approche habituelle. Les titres nous rassurent un instant. Il s’agit de la mer, de la haute montagne, de la terre . . . Alors ce bleu transparent qui paraît dans le bas du tableau, est-ce la mer, et non le ciel clair du matin? Ou l’eau fraîche d’un lac reflétant un ciel couvert, comme pris au piège dans cet environnement rocheux? Ces formes aigües qui pointent vers le haut n’indiquent-elles la direction du ciel? Mais ce sont là des lectures faciles, plutôt des idées toutes faites que nous imposons sur l’image au lieu de la regarder. Ce qui nous est donné à voir c’est un paysage comme nous n’en avons jamais vu, où les masses grumeleuses qui occupent habituellement le bas du tableau se retrouvent en haut, comme en surplomb. Nous sommes loin de la convention du paysage. À dire vrai, c’est tout l’espace qui chavire. Ce qui pouvait passer pour un lointain horizon dans le fond du tableau passe tout d’un coup au premier plan! Toujours cette forte impression de mise en échec de l’espace perspectiviste. Le paysage est fait de strates superposées et non de plans successifs, plus près de sa géologie que du spectacle. Ces choix multiples et étonnants sont finalement très respectueux de la planéité de la surface picturale. Le cube scénique de la Renaissance est oublié.

La matière

Est-on bien sûr de l’impénétrabilité de la matière dans les tableaux de Suzanne Olivier? Les montagnes se transforment en nuages. Ce qui était solide devient fluide. La transparence surgit là où on l’attend le moins. Le flanc de montagne dévale les pentes comme une brume ou une neige rose. Les premiers plans sont flous, pour déjouer une lecture trop « réaliste ». J’avais raison : la perspective est mise en question. Pourtant l’espace se creuse en profondeur mauve où il le faut. Ce qui s’accumule au-dessus de nous sont nuages changés en pierre. Ce qui est frappant dans ces tableaux c’est la constante métamorphose du solide en vaporeux, du nuage en montagne, de la roche en bijou précieux.

Le mouvement

L’art imite la nature, dit-on, mais on oublie d’ajouter : dans son opération. Les montagnes à l’horizon, émergeant des brumes, gardent leur éclat de rubis des profondeurs. Au premier plan, des rochers s’animent dans plusieurs directions, contradictoires, s’avançant vers ou s’éloignant de nous, à leur gré.

La couleur

Quel luxe de couleurs : orange et pourpre, jaune et mauve. Nous voilà sur une terre où les rochers seraient des gemmes roses, bleu pâle, magenta, céladon . . . Le vocabulaire nous manque pour décrire ces couleurs merveilleuses d’un autre monde vraiment. Ainsi, dans Le temps d’une rupture, un tableau de 2010, sous un ciel en feu, à la Edwin Church, un fleuve d’or coule vers la droite, entraînant avec lui des rochers en fusion, tout juste sortis des entrailles de la terre. Où sommes-nous ? On nous a donné, « le temps d’une rupture », un aperçu d’un monde plus beau que le nôtre… mais sans nostalgie d’un passé que nous aurions pollué. Ce monde que Suzanne Olivier nous révèle, c’est le paysage du dedans.

François-Marc Gagnon, écrivain et historien d’art, février 2012

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2009

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Conversation

LUI  : En fouillant dans mes messages, le hasard des clics me ramène ce message de toi, qui n’avait pas retenu mon attention, ce dans quoi je vois un signe. Je vais y porter un second regard, après une  seconde lecture, une disponibilité seconde. J’y vois ce soudain besoin de renouvellement, de dépaysement, de recommencements à partir de bases renouvelées, et alors le bonheur s’appelle le contrôle  même au quotidien de cette faculté de renouvellement, ou de la capacité à s’abandonner et lâcher prise en attendant qu’il revienne, ce à quoi l’expérience prépare de plus en plus, donnant une sérénité de roc, de confiance qui permet d’accepter les moments aveugles qui recèlent leurs lendemains.

MOI  : Mais oui tout est revenu en place et en force et démultiplié même. Je n’ai jamais travaillé avec autant d’aisance et de connaissance de la justesse de ce que je fais. Et en continuant sur cette lancée, si j’en ai le bonheur jusqu’à la fin, j’aurai fait une peinture qui se démarquera. J’en parle comme quelque chose qui est hors de moi, qui est comme véhiculé par moi, sans aucune gêne ni aucun sentiment d’orgueil. C’est un simple hasard si la persévérance dont j’ai été capable, les capacités que j’ai pu développer me soient arrivées. Et j’en retire énormément de bonheur et me sentirai toujours privilégiée.

LUI  : Ces moments d’aveuglement ont une  fonction de motivation au sprint suivant…

MOI : C’est vrai que les périodes d’incapacités sont extrêmement ardues et qu’on veut hurler son mal à l’humanité entière et que toujours, à chaque fois on n’y voit jamais la fin des tourments. Oui, l’accepter comme un tremplin qui me propulse plus loin que je n’ai jamais été les fois précédentes. Et les images affluent et la finesse se précise et s’harmonise sous la main plus vite que la pensée. Et le second regard exulte.

LUI  : Rudolf Steiner dit que l’homme est là pour spiritualiser la matière, et moi j’ajoute toujours que tout va dans les deux sens, on est donc là aussi pour matérialiser l’esprit, et à toi il faut des pinceaux… Je dirais que le sens de la vie est de s’ouvrir de plus en plus à ce qu’on est, d’où l’on vient où on se retrouve, où l’on est et où on se dirige, bref, d’intuitionner la mesure de cet incroyable kaléidoscope de dimensions infinies qui nous enveloppe, et dont nous sommes. Peu importe l’illusion qui nous fait croire qu’à chaque fois, le maelstrom momentané, c’est la fin du monde. Savoir qu’on ne sait plus mais qu’à nouveau on saura, c’est encore savoir. Nous sommes plus que nous-même, et la vie consiste entre autre à le découvrir !

Jean-Yves Bégin, janvier 2009

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2007

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Quelqu’un qui jette un oeil distrait sur ces tableaux peut facilement passer à coté de ce qu’ils offrent à voir.  Le foisonnement des couleurs, leur enchaînement rythmé, leurs façons de tracer le dessin des formes et d’évoquer l’espace exige un arrêt, un temps de contemplation. Pour rencontrer une œuvre je m’abandonne, je vais vers elle vêtu de mon seul regard. La distance intellectuelle que prend le critique d’art ne rend que rarement justice à l’oeuvre elle-même.  On ne parvient à la voir que très loin derrière le magma des théories.  Pour parvenir à réellement voir un tableau il faut quitter ce que l’on sait pour tendre vers ce que l’on ne sait pas, c’est-à-dire vers l’inconnu que représente l’oeuvre devant nous  La singularité de cette oeuvre passera toujours au second plan derrière les « ismes » qui encombrent le cerveau des critiques.

J’ai fait une visite à la galerie sur Greene peu de temps après le jour du vernissage. J’ai été ébloui par la beauté des œuvres. Autant de bouquets miraculeux accrochés aux cimaises. J’ai goûté avec un plaisir immense la sensualité de la matière. La lumière des paysages envoûte, ensorcelle, des contrées de rêve. Peut-être trouvera t’on étonnant ce que je vais dire là mais j’ai trouvé ces tableaux profondément érotiques. Je voyais des cellules de couleurs s’interpénétrant les unes les autres jusqu’à donner naissance à une forme qui elle-même en pénètre une autre, l’incessant mouvement de la vie, sa force exponentielle et sa poésie jubilatoire. Ce fut un heureux moment que cette visite.

Sylvain Charron

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1984

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« Voici Suzanne Olivier : au-delà de toute saison, hors de tout lieu reconnaissables et même de toute «  manière » facilement catalogable.

A l’inverse des Impressionnistes, qui travaillaient sur le motif, ou même des Nabis auxquels sa touche et certaines nuances précieuses peuvent l’apparenter, Suzanne Olivier part d’un schéma abstrait, imaginaire. Ce schéma mûrit lentement et vit à sa manière. Se crée alors un espace, généralement à trois dimensions, où dans une lumière ambiante, des formes éclatées, des signes, des gestes, des éléments graphiques divers, entraînés par un mouvement cosmique, organisent, pour la joie de nos yeux, ce qu’on peut appeler un paysage.

Paysage en dehors de toute référence spatio-temporelle, imaginaire si l’on veut et pourtant rappel d’une vision que nous aurions connue dans quelques paradis antérieur, que pour notre plus grand malheur, nous aurions perdu un jour. »

Le paysage dans la peinture au Québec
Guy Boulizon, Historien d’art et professeur à l’université de Montréal, 1984